GalleryMEME

Art Taipei 2026

2026.10.29 ~ 2026.11.02

ABOUT

[ART TAIPEI 2026]

갤러리밈은 권인경, 노경희, 이지영, 만욱, 모스플라이, 박세빈 작가와 아트타이베이에 참여합니다.

개최기간
Super VIP Preview 10월 29일(목) │ 12:00 - 20:00
VIP Preview 10월 29일(목) │ 15:00 - 20:00 · 10월 30일(금) │ 11:00 - 14:00
Vernissage 10월 29일(목) │ 18:00 - 20:00
일반 관람 10월 30일(금) │ 14:00 - 19:00 10월 31일(토) - 11월 1일(일) │ 11:00 - 19:00 11월 2일(월) │ 11:00 - 18:00

장소 Taipei World Trade Center Hall 1 (타이베이 월드 트레이드 센터 1홀)
주최 Taiwan Art Gallery Association (사단법인 대만화랑협회)

갤러리밈 부스 : C05

작가소개

▶ 권인경

안과 밖의 경계가 흐려지며 열려 있음으로써 고유해지는 한 사람의 방.

권인경(b.1979)은 홍익대학교 동양화과에서 학사·석사·박사 과정을 마쳤다. 한지와 먹, 고서를 오려 붙이는 콜라주 기법으로 20년 가까이 '장소'와 '기억'을 그려 온 작가다. 2013년 서울시립미술관 ‘Emerging Artist’에 선정되어 첫 개인전 《Heart-Land》를 열었고, 2017년 송은미술대상을 수상했다. 국립현대미술관 미술은행과 양평군립미술관, 그리고 이탈리아·워싱턴·홍콩의 개인 컬렉션에 작품이 소장되어 있다.

작가는 고서를 오려 한지에 붙이고 그 위에 먹과 아크릴을 거듭 올린다. 백 년 전 누군가가 읽던 문장이 화면의 바탕에 깔리고, 그 위에 현대의 삶이 담긴 방이 들어선다. 쌓여 가는 종이와 물감처럼, 작가에게 기억은 시간과 함께 사라지는 것이 아니라 켜켜이 쌓여 가는 것이다. 광활한 도시 속 개인의 삶에 주목해 온 작가의 시선은 점차 '방'이라는 가장 작은 삶의 단위로 옮겨 왔다. 화면 속 방은 벽이라는 경계를 넘어 하나의 숲을 이룬다. 화분에서 시작한 식물은 방의 안팎으로 뻗어 나간다. 닫혀 있던 내면은 울창한 초록이 되어 소중한 존재를 감싸 안는 보호막이 된다.

▶ 노경희

몸으로 겪은 숲의 기억을 긴 시차를 두고 응축시키다.

노경희(b.1982)는 서울대학교 미술대학 서양화과를 졸업하고, 영국 런던 UCL 슬레이드 미술학교에서 석사 과정을 마쳤다. 작가는 사계절 가리지 않고 산에 오른다. 그렇게 몸으로 겪은 숲의 기억을 짧게는 몇 달, 길게는 몇 년의 시차를 거친 뒤 캔버스에 옮긴다. 2008년 첫 개인전 《Silent Landscape》 이후 한국과 런던을 오가며 활동했고, 런던 저우드 드로잉 프라이즈(Jerwood Drawing Prize) 전시에 선정되었다. 국립현대미술관 미술은행, 서울대학교미술관, 강남구청에 작품이 소장되어 있다.

작가의 작품은 보는 이를 작가가 보았던 그 장면 속으로 끌어들인다. 한 발 옮기면 새소리가 들리고, 또 한 발 옮기면 바람이 분다. 숲의 아름다움에 이끌려 화면의 아주 구석까지 시선이 가면, 장면이 캔버스 위에 자리 잡을 때까지 붓을 놓지 않은 작가의 일상을 엿볼 수 있다. 가지와 덩굴, 이끼와 바위, 빛과 그늘이 가득 찬 화면은 숲의 원초적인 에너지를 그대로 옮겨 놓은 듯하다. 풀잎이 바람에 흔들리는 듯한 정밀함 속에서 세상의 소음이 물러난 숲의 한 순간은 마음속에 영원히 머문다.

이번 아트타이베이에서는 동남아시아 열대우림의 밀도를 담은 〈2026_02〉, 〈2026_03〉을 선보인다. 사과꽃의 개화와 소멸을 한 화면에 펼친 〈2025_01〉도 함께 소개한다.

▶ 이지영

수만 번 반복된 선이 쌓인 삶의 시간.

이지영(b.1980)은 성신여자대학교 동양화과에서 학사와 석사 과정을 마쳤다. 장지 위에 가느다란 연필선을 수만 번 반복해 쌓아 올리는 작가다. 2006년 첫 개인전 《동물원》 이후 10회 이상의 개인전을 열었으며, 서울대학교미술관 등에 작품이 소장되어 있다. 고등학교 미술 교과서 『미술창작』에 작품이 수록되었고, 소설 『밤불의 딸들』(열린책들)의 표지 이미지로도 쓰였다.

작가는 선의 표현이 중심인 한국화의 전통에 기반을 둔다. 빈틈없이 채워진 선의 밀도 앞에서 우리는 먼저 그 정성에 압도된다. 자잘한 수고로움이 쌓여 단단한 일상이 되듯, 반복되는 선은 하루를 이어 가는 움직임의 기록이다. 동시에 작가가 쉼 없이 이어 가는 수행의 일부이기도 하다. 그 밀도 안에서 사람들이 달리고, 뛰어오르고, 물속으로 몸을 던진다. 인물들은 배경과 같은 선으로 이루어져 있어, 배경에서 솟아나는 것인지 배경 속으로 스며드는 것인지 경계가 없다. 사회라는 울타리 안에서 저마다의 속도로 나아가는 현대인의 모습이다. 이들에게 도착점은 주어지지 않는다. 작가의 시선은 여정이 끝나는 곳이 아니라, 몸이 그쪽을 향해 나아가고 있는 지금 이 순간에 머문다.

▶ 만욱

성별도, 인간과 동물도, 기계와 생명도 위계 없이 얽혀 있는 공존의 세계.

만욱(b.1975)은 아주대학교에서 사회학을 전공하고, 제도권 미술 교육 바깥에서 회화를 시작했다. 이후 자신만의 조형언어로 '공존'을 향한 작품세계를 구축해 왔다. 2019년 첫 개인전 이후 15회 이상의 개인전을 열었으며, 2024년 갤러리밈 M’CUBE에서 개인전 《잡초보호구역》을 열었다. 같은 해 화랑미술제 in 수원에서는 매거진 《DAZED KOREA》가 선정한 작가로 소개되었다. 2019년부터 기계를 본격적인 소재로 다뤄 왔다. 2025년부터는 작가가 제작한 이미지 프롬프트를 바탕으로 관객과 함께 생성하는 AI 프린트 '젠프린트(GenPrint)'를 실험하고 있다.

작가의 화면에는 인간과 동물, 그리고 기계가 함께 살아간다. 세 존재는 위계 없이 나란히 놓인다. 어디까지가 인간이고 어디서부터가 동물인지, 이것이 기계인지 생명인지의 경계는 찾을수록 흐려진다. 모든 존재가 하나의 그물망 안에 얽혀 서로의 공생체가 된다. 그 세계 앞에서 작가는 '누가 누구를 키우고 있는가'라는 조용하지만 끈질긴 질문을 던진다. 광고의 언어에서 빌려 온 형광빛 색채는 아카데미 회화의 관습에서 의도적으로 벗어난다. 콧수염을 기른 소녀, 꽃수영모를 쓴 남성, 곰인지 토끼인지 모를 존재들이 뒤섞인 화면은 무질서해 보인다. 그러나 그 안에는 무규칙의 규칙이라는 나름의 균형이 있다. 작가는 화면 밖으로 밀려난 잡초, 뒤에 남겨진 동물처럼 주변으로 밀려난 것들을 다시 중심에 세우며 그 세계를 넓혀 가고 있다.

이번 아트타이베이에서는 작가의 작품 세계가 잘 드러나는 신작을 선보인다.

▶ 모스플라이

낙서에서 길어올린 캐릭터들이 살아가는 환상의 도시, '가리봉 시티'.

모스플라이(b.1985)는 가천대학교 시각디자인과를 졸업하고, 편집디자인 회사와 프리랜서 그래픽 디자이너로 오랫동안 일했다. 타인의 필요에 맞춘 그림만 그리던 시간 동안, 작가는 자신만의 이야기를 찾기 위해 틈틈이 낙서 노트를 채웠다. 그 노트가 지금 작업의 출발점이 되었다. 2023년 첫 개인전 《Made in Garibong City》 이후 3년 사이 다섯 차례의 개인전이 이어졌다. 2024년 어반브레이크 서울 오픈콜 작가로 선정되었고, MBN 작가 서바이벌 프로그램 〈화100〉에서 4위에 올랐다. 2025년에는 울산국제아트페어 '어텐션나우' 작가로 선정되었으며, 2026년 3월 아트 센트럴 홍콩에 참가하며 국제 무대에 진입했다.

낙서는 작업의 핵심 재료다. 손이 가는 대로 그어진 선들 속에서 작가는 낯설지만 분명히 자신의 것인 형상들을 발견하고, 거기에 상상을 더해 화면으로 옮긴다. 그렇게 태어난 매두벅, 박존버, 신무학은 각각 작가의 과거와 현재, 그리고 작가 스스로 하찮을지 모른다고 말하는 신념을 담은 인물들이다. 작가가 유년기를 보낸 가리봉동은 이들의 고향이 되어, '가리봉 시티'라는 허구의 무대로 다시 세워졌다. 외계인과 괴수, 우주선이 등장하는 이야기는 어린 시절 TV 프로그램과 주말마다 빌려 보던 비디오의 기억에서 왔다.

선명한 네온빛 화면에 가까이 다가갈수록, 처음에는 보이지 않던 캐릭터들이 하나둘 튀어나온다. 밝은 표면 아래에는 현대인이 일상 속에서 마주하는 불안과 외로움, 기대와 체념이 놓여 있다. 작가는 그 감정들이 화면 안에서 장난감처럼 굴러다니며, 잠시 손에 쥐었다 내려놓을 수 있을 만큼 가벼워지기를 바란다. 비극에 대한 가장 큰 저항은 결국 농담과 유머라고 믿기 때문이다.

▶ 박세빈

광목과 장지 위에 분채와 과슈를 겹겹이 쌓아 올린 부드러운 빛의 화면.

박세빈(b.2001)은 홍익대학교 동양화과를 졸업했다. 광목과 장지 위에 분채, 과슈, 호분과 백토를 여러 겹 올려 화면을 쌓아 가며, 두려움과 기다림 속에 놓인 존재들에게 건네는 위로의 장면을 그려 온 작가다. 2023년 첫 개인전 《Silent Regards》 이후 리나 갤러리 《Peace from Above》를 비롯해 네 차례의 개인전을 열었고, 2026년 여름 갤러리밈에서 개인전 《Calling from the Eye of the Storm》을 선보였다. 2025년 Artsy Foundations의 ‘Curator’s Pick’에 선정되었다. 샌프란시스코 아트페어(2025·2026), 신세계갤러리 센텀시티 《COLLECTIBLES : 공간미학》, 뚝섬미술관 《Montage of Love》 등 국내외 전시에도 참여해 왔다. 아트북 《Life Stills》(Victionary)에 작품이 수록되었고, 밀리의 서재 도서 표지와 일러스트, 앨범 커버 아트 등 회화의 영역을 넘나드는 협업도 이어 오고 있다.

작가는 전통 동양화의 고정관념을 넘어 새로운 회화의 가능성을 찾는다. 동·서양의 재료를 섞어 얇은 층을 거듭 쌓아 올린 화면은 동양화 특유의 스밈과 평면성을 그대로 간직한다. 동시에 층층이 쌓인 안료가 화면에 입체적인 깊이를 만들어 낸다. '복합적 온도'와 '영원한 빛'을 중심에 둔 작가의 풍경은 직접 포착한 장면에 시각적이고 은유적인 빛을 더한 것이다. 누구나 느낄 수 있는 정서에서 출발하지만, 보는 이마다 저마다의 이야기를 읽어 낼 여지를 남겨 둔다. 감정과 기억이 화면에 머물며 만들어 내는 치유와 성찰의 시간, 그것이 작가가 건네는 위로다.

이번 아트타이베이에서는 작가의 고유한 빛에 대한 해석이 담긴 신작을 선보인다.

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[ART TAIPEI 2026]

GalleryMEME participates in ART TAIPEI 2026 with KWON Inkyung, NOH Kyounghee, LEE Jiyoung, Manwook, Mothfly, and PARK Sebin.

Dates

Super VIP Preview │ Thu, 29 Oct │ 12:00 - 20:00

VIP Preview │ Thu, 29 Oct │ 15:00 - 20:00 · Fri, 30 Oct │ 11:00 - 14:00

Vernissage │ Thu, 29 Oct │ 18:00 - 20:00

Public Days │ Fri, 30 Oct │ 14:00 - 19:00 · Sat, 31 Oct - Sun, 1 Nov │ 11:00 - 19:00 · Mon, 2 Nov │ 11:00 - 18:00

Venue Taipei World Trade Center Exhibition Hall 1

Organizer Taiwan Art Gallery Association

GalleryMEME Booth : C05

Artists

▶ KWON Inkyung

A room of one’s own that becomes singular by remaining open, as the line between inside and outside blurs.

KWON Inkyung (b.1979) received her BFA, MFA, and PhD in Oriental Painting from Hongik University. For nearly two decades, she has explored place and memory through hanji, ink, and a collage technique using pages cut from old books. Selected for the Seoul Museum of Art’s Emerging Artist program in 2013, she held her first solo exhibition, Heart-Land, that year, and she received the SONGEUN Art Award in 2017. Her works are held in the Art Bank of the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, the Yangpyeong Art Museum, and private collections in Italy, Washington, and Hong Kong.

The artist cuts up old books, pastes them onto hanji, and lays ink and acrylic over them again and again. Sentences someone read a century ago settle at the bottom of the surface, and above them stands a room holding life in the present day. Like the layers of paper and paint, memory for the artist does not fade with time but builds up, layer upon layer. Having long focused on individual lives within the vast city, her gaze has gradually moved toward the room, the smallest unit of a life. The room in her paintings then grows beyond its walls into a forest. Plants that began in a pot spread across the inside and outside of the room, and the once-closed inner world becomes a dense green, a shelter that embraces what is precious.

▶ NOH Kyounghee

Canvases that condense memories of the forest, lived through the body, across a long passage of time.

NOH Kyounghee (b.1982) graduated in Western Painting from the College of Fine Arts at Seoul National University and completed her MFA at the Slade School of Fine Art, University College London. Climbing mountains in every season, she carries the memories of the forest she has lived through her body onto canvas after a lapse of months, sometimes years. Since her first solo exhibition, Silent Landscape, in 2008, she has worked between Korea and London. She was selected for the Jerwood Drawing Prize exhibition in London, and her work is held in the Art Bank of the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, the Seoul National University Museum of Art, and the Gangnam-gu Office.

Her paintings draw us into the very scenes the artist once saw. One step brings birdsong, another brings a rush of wind. As the beauty of the forest leads our eyes into the farthest corners of the canvas, we catch a glimpse of the artist’s days, spent never setting down her brush until each scene had settled onto the canvas. Filled with branches and vines, moss and rock, light and shade, her canvases seem to carry the primal energy of the forest itself. In a precision that makes each blade of grass seem to sway in the wind, a moment in the forest, far from the noise of the world, stays in the heart forever.

At ART TAIPEI 2026, she presents 2026_02 and 2026_03, which capture the density of Southeast Asian rainforests, and 2025_01, which unfolds the blooming and fading of apple blossoms on a single canvas.

▶ LEE Jiyoung

Surfaces where tens of thousands of repeated lines build up into the time of a life.

LEE Jiyoung (b.1980) received her BFA and MFA in Oriental Painting from Sungshin Women’s University. Since her first solo exhibition, Zoo, in 2006, she has held more than ten solo exhibitions, and her work is held in the Seoul National University Museum of Art, among others. Her work has been featured in the Korean high school art textbook Art Creation and on the cover of the Korean edition of Daughters of the Stone, published by Open Books.

Starting from the Korean painting tradition centered on the expression of line, the artist builds up fine pencil lines on jangji paper, repeating them tens of thousands of times. Before the density of lines that leaves no gap, we are first overwhelmed by the care within it. Just as small efforts pile up into a steady daily life, each repeated line is both a record of the movements that carry a day forward and part of the artist’s unceasing practice. Within that density, people run, leap, and throw themselves into the water. Made of the same lines as the background, the figures seem to rise out of it and sink back into it, with no boundary in between. They are people of today, each moving at their own pace within the fence called society. No finish line is given to them. The artist’s gaze rests not on where the journey ends, but on this very moment, as the body moves toward it.

▶ Manwook

A world of coexistence where gender, humans and animals, machines and life are entangled without hierarchy.

The ecosystem of the present moment, drawn through painting, print, and machines.

Manwook (b.1975) studied sociology at Ajou University and began painting outside the institutional art education system, building a visual language of her own oriented toward coexistence. Since her first solo exhibition in 2019, she has held more than fifteen solo exhibitions, including Weed Sanctuary at GalleryMEME’s M’CUBE in 2024. That same year, she was introduced as an artist selected by DAZED KOREA at the Galleries Art Fair in Suwon. Machines have been a central subject of her work since 2019, and since 2025 she has been experimenting with GenPrint, AI-generated prints created together with the audience from image prompts she designs.

In her paintings, humans, animals, and machines live together. The three appear side by side, free of hierarchy, and the more we look for the line between human and animal, machine and life, the more it blurs. Every being is woven into a single mesh, each a symbiont of the others. Before this world, the artist poses a quiet but persistent question: who is raising whom? Her fluorescent palette, borrowed from the language of advertising, steps deliberately away from the conventions of academic painting. A girl with a mustache, a man in a flowered swim cap, creatures that might be bears or rabbits, all mingle on the canvas. It may look like disorder, but it holds a balance of its own, a rule of no rule. Bringing back to the center what has been pushed to the margins, such as weeds pushed out of the frame and animals left behind, the artist extends her world.

At ART TAIPEI 2026, she presents new works that reveal her artistic world, including My Friend Is a Humanoid, in which lines are carved with a chisel into oil paint on wood panel.

▶ Mothfly

Garibong City, a fantastical city inhabited by characters drawn out of doodles.

Mothfly (b.1985) graduated in Visual Communication Design from Gachon University and worked for years at an editorial design company and as a freelance graphic designer. During a time spent drawing only to meet other people’s needs, the artist began filling a notebook with doodles in search of a story of their own, and that notebook became the starting point of the current practice. Since the first solo exhibition, Made in Garibong City, in 2023, Mothfly has held five solo exhibitions in three years. The artist was selected as an Urban Break Seoul Open Call artist in 2024, placed fourth on Hwa100, MBN’s artist survival program, and was chosen for Attention Now at the Ulsan International Art Fair in 2025. In March 2026, Mothfly stepped onto the international stage at Art Central Hong Kong.

Doodling is the core material of the work. In lines drawn wherever the hand goes, the artist discovers forms that feel unfamiliar yet unmistakably their own, then adds imagination and carries them onto the canvas. Born this way, Mae Dubuck, Park Jonbuh, and Shin Moohak each hold a part of the artist: the past, the present, and a belief the artist calls perhaps trivial. Garibong-dong, where Mothfly spent their childhood, became the characters’ hometown and was rebuilt as a fictional stage called Garibong City. Its stories of aliens, monsters, and spaceships come from memories of childhood TV shows and the videos rented every weekend.

The closer we come to the lively canvases of vivid neon colors, the more characters pop out one by one that were not visible at first. Beneath the bright surface lie the anxiety and loneliness, hope and resignation met along the way of living. The artist hopes these feelings can roll around the canvas like toys, becoming light enough to hold for a moment and then set down, believing that the greatest resistance to tragedy is, in the end, jokes and humor.

▶ PARK Sebin

Surfaces of soft light, built from layer upon layer of bunchae and gouache on cotton and jangji.

PARK Sebin (b.2001) graduated from the Department of Oriental Painting at Hongik University. Layering bunchae (powdered mineral pigment), gouache, hobun (shell white), and white clay on cotton and jangji paper, she paints scenes of solace offered to beings caught in fear and waiting. Since her first solo exhibition, Silent Regards, in 2023, she has held four solo exhibitions, including Peace from Above at Lina Gallery, and presented Calling from the Eye of the Storm at GalleryMEME in summer 2026. She was selected as a Curator’s Pick for Artsy Foundations 2025 and has taken part in exhibitions in Korea and abroad, including the San Francisco Art Fair (2025, 2026), COLLECTIBLES at Shinsegae Gallery Centum City, and Montage of Love at Ttukseom Art Museum. Her practice also reaches beyond painting, with works featured in the art book Life Stills (Victionary), as well as covers and illustrations for Millie’s Library and album cover art.

Moving beyond the conventions of traditional Oriental painting, the artist searches for new pictorial possibilities. Blending Eastern and Western materials, she builds up thin layers again and again. While keeping the seeping translucency and flatness of Oriental painting, the accumulated pigments create a sculptural sense of depth on the surface. Centered on “complex temperature” and “eternal light,” her landscapes are scenes she has captured directly, infused with visual and metaphorical light. They begin from feelings anyone can share, yet leave room for each viewer to find a story of their own. The time of healing and reflection that emotion and memory create as they linger on the canvas is the solace she offers.

At ART TAIPEI 2026, she presents new works that carry her own interpretation of light.